Japanse schilderkunst. Moderne Japanse schilderkunst

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

Japanse schilderkunst is de oudste en meest verfijnde vorm van beeldende kunst die vele technieken en stijlen omvat. Door de geschiedenis heen heeft het een groot aantal veranderingen ondergaan. Nieuwe tradities en genres werden toegevoegd, en de oorspronkelijke Japanse principes bleven. Samen met de verbazingwekkende geschiedenis van Japan, is het schilderij ook klaar om vele unieke en interessante feiten te presenteren.

Het oude Japan

De eerste stijlen van Japanse schilderkunst verschijnen in de oudste historische periode van het land, zelfs vóór Christus. e. Kunst was toen nog vrij primitief. Ten eerste, in 300 voor Christus. er verschenen verschillende geometrische figuren, die met behulp van stokken op aardewerk waren gemaakt. Een dergelijke vondst door archeologen als ornament op bronzen klokken behoort tot een latere tijd.

Iets later, al in 300 na Christus. er verschijnen bijvoorbeeld rotstekeningen, die veel diverser zijn dan geometrische ornamenten. Dit zijn al volwaardige afbeeldingen met afbeeldingen. Ze werden gevonden in de crypten en waarschijnlijk zijn de mensen die erop zijn geschilderd begraven op deze begraafplaatsen.

In de 7e eeuw na Christus e. Japan neemt een script aan datkomt uit China. Rond dezelfde tijd komen daar de eerste schilderijen vandaan. Dan verschijnt schilderen als een apart kunstgebied.

Edo

Edo is verre van de eerste en niet de laatste school voor Japanse schilderkunst, maar zij was het die veel nieuwe dingen in de cultuur bracht. Ten eerste is het de helderheid en schittering die werden toegevoegd aan de gebruikelijke techniek, uitgevoerd in zwarte en grijze tinten. Sotasu wordt beschouwd als de meest prominente kunstenaar van deze stijl. Hij maakte klassieke schilderijen, maar zijn personages waren erg kleurrijk. Later schakelde hij over op de natuur en de meeste landschappen werden gemaakt tegen een achtergrond van vergulding.

Ten tweede, tijdens de Edo-periode, verscheen het exotische, het namban-genre. Het gebruikte moderne Europese en Chinese technieken, die verweven waren met traditionele Japanse stijlen.

En ten derde verschijnt de Nang-school. Daarin imiteren of kopiëren de kunstenaars eerst de werken van Chinese meesters volledig. Dan verschijnt er een nieuwe tak, die bunjinga wordt genoemd.

Moderniseringsperiode

De Edo-periode vervangt de Meiji en nu wordt de Japanse schilderkunst gedwongen een nieuwe ontwikkelingsfase in te gaan. In die tijd werden genres zoals de western en dergelijke over de hele wereld populair, dus de modernisering van de kunst werd een veelvoorkomende gang van zaken. In Japan, een land waar alle mensen tradities respecteren, was de situatie in die tijd echter aanzienlijk anders dan in andere landen. Hier laait de concurrentie tussen Europese en lokale technici sterk op.

De regering geeft in dit stadium de voorkeur aan jonge artiesten die veelbelovend zijn om hun vaardigheden in westerse stijlen te verbeteren. Dus sturen ze ze naar scholen in Europa en Amerika.

Maar het was pas aan het begin van de periode. Feit is dat bekende critici de westerse kunst vrij sterk hebben bekritiseerd. Om grote opschudding rond deze kwestie te voorkomen, werden Europese stijlen en technieken verbannen uit tentoonstellingen, hun weergave stopte, evenals hun populariteit.

De opkomst van Europese stijlen

Vervolgens komt de Taisho-periode. Op dit moment komen jonge kunstenaars die zijn vertrokken om op buitenlandse scholen te studeren, terug naar hun thuisland. Natuurlijk brengen ze nieuwe stijlen van Japanse schilderkunst met zich mee, die erg lijken op Europese. Impressionisme en post-impressionisme verschijnen.

In dit stadium worden veel scholen gevormd waarin oude Japanse stijlen nieuw leven worden ingeblazen. Maar het is niet mogelijk om de westerse tendensen volledig kwijt te raken. Daarom moeten we verschillende technieken combineren om zowel liefhebbers van klassiekers als fans van moderne Europese schilderkunst te plezieren.

Sommige scholen worden gefinancierd door de staat, waardoor veel van de nationale tradities behouden blijven. Particuliere handelaren daarentegen worden gedwongen het voorbeeld te volgen van consumenten die iets nieuws wilden, ze zijn de klassiekers beu.

Schilderen tijdens de Tweede Wereldoorlog

Na het begin van de oorlogstijd bleef de Japanse schilderkunst enige tijd afzijdig van de gebeurtenissen. Het ontwikkelde zich afzonderlijk en onafhankelijk. Maar zo kon het niet eeuwig doorgaan.

Na verloop van tijd, wanneer de politieke situatie in het land verslechtert, trekken hoge en gerespecteerde figuren veel artiesten aan. Sommigen van hen beginnen, zelfs aan het begin van de oorlog, te creëren in patriottische stijlen. De rest begint dit proces alleen in opdracht van de autoriteiten.

De Japanse schone kunsten konden zich tijdens de Tweede Wereldoorlog dan ook niet bijzonder ontwikkelen. Daarom kan het voor schilderen stagnerend worden genoemd.

Eeuwige suibokuga

Japans sumi-e-schilderij, of suibokuga, betekent "inktschilderij". Dit bepa alt de stijl en techniek van deze kunst. Het kwam uit China, maar de Japanners besloten het hun eigen naam te geven. En aanvankelijk had de techniek geen esthetische kant. Het werd door de monniken gebruikt voor zelfverbetering tijdens het bestuderen van Zen. Bovendien maakten ze eerst tekeningen, later trainden ze hun concentratie terwijl ze ernaar keken. De monniken geloofden dat strikte lijnen, wazige tinten en schaduwen hielpen bij perfectie - dat alles heet monochroom.

Japans schilderen met inkt is, ondanks de grote verscheidenheid aan schilderijen en technieken, niet zo ingewikkeld als het op het eerste gezicht lijkt. Het is gebaseerd op slechts 4 plots:

1. Chrysant.
2. Orchid.
3. Pruimentak.
4. Bamboe.

Een klein aantal plots maakt het beheersen van de techniek niet snel. Sommige meesters geloven dat leren een leven lang meegaat.

Ook aldat sumi-e lang geleden verscheen, er is altijd vraag naar. Bovendien kun je tegenwoordig de meesters van deze school ontmoeten, niet alleen in Japan, het is wijdverbreid tot ver buiten de grenzen.

Moderne periode

Aan het einde van de Tweede Wereldoorlog bloeide kunst in Japan alleen in grote steden, dorpelingen en dorpelingen hadden zorgen genoeg. Voor het grootste deel probeerden de kunstenaars de verliezen van de oorlog de rug toe te keren en het moderne stadsleven met al zijn verfraaiingen en kenmerken op canvas weer te geven. Europese en Amerikaanse ideeën werden met succes overgenomen, maar deze stand van zaken duurde niet lang. Veel meesters begonnen geleidelijk van hen af te wijken naar Japanse scholen.

Traditionele stijl is altijd in de mode geweest. Daarom kan de moderne Japanse schilderkunst alleen verschillen in de techniek van uitvoering of de materialen die in het proces worden gebruikt. Maar de meeste kunstenaars nemen verschillende innovaties niet goed waar.

Om nog maar te zwijgen van de trendy hedendaagse subculturen zoals anime en soortgelijke stijlen. Veel artiesten proberen de grens tussen klassiekers en wat tegenwoordig veel gevraagd is te vervagen. Deze gang van zaken is voor het grootste deel te danken aan de commercie. Klassiekers en traditionele genres worden niet echt gekocht, daarom is het onrendabel om als artiest in je favoriete genre te werken, je moet je aanpassen aan de mode.

Conclusie

De Japanse schilderkunst is ongetwijfeld een schatkamer van schone kunsten. Misschien bleef het land in kwestie het enige land dat de westerse trends niet volgde,niet aangepast aan de mode. Ondanks vele klappen tijdens de komst van nieuwe technieken, slaagden Japanse kunstenaars er toch in om nationale tradities in vele genres te verdedigen. Dit is waarschijnlijk de reden waarom schilderijen gemaakt in klassieke stijlen tegenwoordig zeer gewaardeerd worden op tentoonstellingen.