Dyaghilev's Russische ballet: geschiedenis, interessante feiten, repertoire en foto's

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

“Zijn absoluut pure deugd was zijn toewijding aan kunst, brandend met heilig vuur”, zei de Russische balletster T. Karsavina over Sergei Diaghilev.

Geboren aan het begin van de negentiende en twintigste eeuw, slaagde Sergei Diaghilev erin om de choreografie van het ballet fundamenteel te veranderen, zijn onwankelbare canons nieuw leven in te blazen en een andere cultuur van kostuums en decors te creëren. Het was met de komst van Diaghilev dat het concept van "Diaghilev's ballet" en balletonderneming in de kunst verscheen.

Russische seizoenen in Europa

De geschiedenis van de opkomst van "Russische seizoenen" in Europa begint in 1906. Het was toen dat Sergei Diaghilev, die een kunsttentoonstelling voorbereidde voor de Parijse Herfstsalon, besloot om grootschalige evenementen te houden om het Europese publiek meer kennis te laten maken met Russische kunst.

In het begin was het het idee om "Russische historische" te houdenconcerten", briljant tot leven gebracht. De concerten werden gehouden in 1907 en bestonden uit meesterwerken van Russische muziek uit de 19e en vroege 20e eeuw. En het volgende seizoen, in 1908, werd M. Moessorgsky's opera "Boris Godoenov" getoond in Parijs met Fjodor Chaliapin in hoofdrol.

Het eerste opera- en balletseizoen werd in 1909 gehouden door Diaghilev.

Zo begon de triomftocht van "Russische Seizoenen" in het buitenland. De uitvoeringen werden georganiseerd volgens het principe van een onderneming, dat wil zeggen niet met een vaste groep acteurs, maar met de uitnodiging van de beste solisten van verschillende Russische theaters, de beste artiesten om kostuums en decors voor uitvoeringen te ontwerpen.

Dit was een echte openbaring voor het theaterpubliek in Parijs. Tot de Eerste Wereldoorlog werden de seizoenen jaarlijks met overweldigend succes gehouden.

Dyaghilev's ballet, fotoposter voor het seizoen 1911.

Origins: familiepassie voor de kunsten

Geboortedatum van Sergei Diaghilev - 31 maart 1872. Geboorteplaats: een dorp in de provincie Novgorod genaamd Selishchi. De toekomstige maestro verscheen in de familie van een erfelijke edelman en officier Pavel Diaghilev.

Sergey's jeugd ging eerst voorbij in St. Petersburg, en daarna verhuisde het gezin naar Perm, waar de Diaghilevs woonden tot hun zoon afstudeerde aan het Perm-gymnasium. Het gastvrije huis van de Diaghilevs in Perm was versierd met originele gravures van Raphael, Rubens en Rembrandt, catalogi van alle toonaangevende Europese musea vol op de boekenplanken.

Hier werden literaire en muzikale avonden gehouden. De zoon vergezeldepiano op het duet van vader en stiefmoeder. Kortom, geen huis, maar het centrum van het culturele leven van de provincie.

De creatieve en creatieve sfeer in het huis droeg bij aan het ontstaan van een oprecht verlangen naar kunst, een verlangen om de muzen in de jonge Sergei Diaghilev te dienen.

Petersburg prestaties

In de jaren 90 van de 19e eeuw keerde hij terug naar St. Petersburg, waar hij zich verdiepte in de studie van verschillende wetenschappen: hij ging tegelijkertijd naar het conservatorium en de rechtenfaculteit.

Een actief karakter vereiste echter meer spannende activiteiten. In St. Petersburg dompelt Sergei Diaghilev zich volledig onder in het artistieke leven van de hoofdstad, waarbij hij jurisprudentie en studies onder leiding van Rimsky-Korsakov negeert.

De activiteit en het enthousiasme van de jeugd leverde een goede daad op, waardoor de jongeman uitstekende organisatorische vaardigheden kon tonen.

Met een nobel doel - om het geïnteresseerde publiek de nieuwe Russische artistieke kunst te laten zien, organiseert hij verschillende schitterende tentoonstellingen van hedendaagse en toen nog onbekende kunstenaars. In alle eerlijkheid moet worden opgemerkt dat deze tentoonstellingen vaak aanleiding waren voor grappen van feuilletonisten en boze preken van kunstcritici.

Maar al snel, ondanks de aanslagen en de spot, en misschien dankzij de schandalige tentoonstellingen, begon heel Petersburg over Diaghilev te praten.

Met de steun van bekende mecenassen Savva Morozov en Maria Klavdievna Tenisheva worden hij en kunstenaar Alexander Benois redacteuren van het tijdschrift World of Art. Het motto van het tijdschrift is "Kunst, puur en vrij".

Dit motto voor vele jaren wordt voor Diaghileven levensprincipes. Artiesten van het tijdschrift waren onder meer Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov en andere beroemde Russische kunstenaars in de toekomst. De opkomst van een echt team van gelijkgestemde mensen, verenigd door de uitgeverij, bewees eens te meer dat Sergei Diaghilev geen toevallige persoon in de kunst is en tegen de tijd zelf in trek is.

De uitgave van het tijdschrift "World of Art" was de eerste stap naar de toekomstige grote "Russische seizoenen". Omdat het een project was dat educatieve doelen nastreefde en gewijd was aan zowel de Russische als de westerse cultuur, waarbij alle moderne en hedendaagse kunstvormen werden samengebracht.

"Russian Seasons" en "Russian Ballet": wat is het verschil

Alvorens verder te praten over het Russische ballet van Diaghilev, is het noodzakelijk om het concept van "Russische seizoenen" te scheiden van het concept van "Russisch ballet" in de zin waarin Diaghilev deze gebieden van Russische kunst begreep.

Voor Sergei Pavlovich Diaghilev, "Russische seizoenen", als een nieuw fenomeen in de kunst, vond plaats of begon in 1906, het was door hen, als door mijlpalen, dat hij zijn activiteiten mat, hun jubilea vierde, de nummers van de seizoenen op posters.

"Russian Seasons" omvatte kunsttentoonstellingen, concerten, opera en later ballet.

Het fenomeen "Dyaghilev's Russian Ballet" wordt geassocieerd met balletondernemingen en het verschijnen van ongebruikelijke balletuitvoeringen, etudes en nummers - als onderdeel van de "Russian Seasons"-programma's, beginnend in 1909.

Officieel vond de eerste uitvoering van het "Russische Ballet" plaats in april 1911 in Monte Carlo, deze datum wordt beschouwd als de geboortedatum van de traditie van het tonen van ballet in het buitenland.

In de Talent Fellowship

De triomf van het eerste seizoen van Diaghilevs Russische ballet in 1909 was vooraf bepaald: het gemeenschappelijke werk en de inspanningen van vele getalenteerde en zelfs briljante mensen kunnen niet verloren gaan.

S. Diaghilev besloot zich voor te bereiden op het seizoen en vroeg om hulp van de prima van het Russische ballet van die tijd - Matilda Kshesinskaya. Ze was dicht bij het keizerlijk hof. De toekomstige keizer Nicolaas II, toen nog vrijgezel, was verliefd op haar. Dankzij de inspanningen van de ballerina werd Diaghilev een grote subsidie van 25.000 roebel beloofd en de mogelijkheid om repetities te houden in de Hermitage.

Het doel voor Diaghilev en een team van gelijkgestemde mensen was niet eenvoudig: een kwalitatief ander soort ballet creëren, waarin een speciale rol moet worden toegekend aan mannelijke onderdelen, kostuums en decors. In een poging om "de eenheid van artistieke conceptie en uitvoeringsvaardigheden" te bereiken, betrekt Diaghilev letterlijk alle toekomstige deelnemers bij de bespreking van het productiemateriaal: componisten, artiesten, choreografen … Alles bij elkaar kwamen ze met plots, bespraken de aard van muziek en dans, toekomstige kostuums en decors. Het resultaat is een unieke synthese van innovatie en professionaliteit in choreografie, schilderkunst, muziek.

Tegelijkertijd begint Diaghilev een groep te rekruteren, waarin hij de beste balletdansers uit de Mariinsky- en Bolshoi-theaters uitnodigt. Gereageerd op de uitnodiging van de ondernemer: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mikhail Fokin met zijn vrouw Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mikhail Mordkin en andere dansers.

Kostuum- en decorontwerpers: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

"Russian Seasons" Diaghilev, balletgroep backstage.

"Seizoensgebonden" obstakels

Niet alles verliep vlekkeloos bij de voorbereiding van de eerste balletvoorstellingen voor de Russische seizoenen.

Tijdens de repetities kwam er een verbod om ze in de Hermitage te blijven houden, en werd ook de subsidie stopgezet. Het laatste kookpunt was de weigering om kostuums en decors te leveren door het Mariinsky Theater.

Er waren verschillende redenen die ervoor zorgden dat bijna het einde van het werk aan de "seizoenen" was. Ten eerste stierf prins Vladimir Alexandrovich, de beschermheilige van Diaghilev. En ten tweede was Matilda Kshesinskaya beledigd door de ondernemer omdat ze een ondergeschikte rol kreeg in het ballet "Pavilion of Artemis" in plaats van de verwachte hoofdrollen.

Trouwens, Diaghilev was onvermurwbaar bij het kiezen van de hoofdrolspelers voor de hoofdrollen, dit is een geweldige "visie" van de kunstenaar, toen alle huidige of eerdere verdiensten van de kunstenaar in deze context bleken te zijn machteloos. Een soortgelijk verhaal deed zich voor in het seizoen waarin "De stervende zwaan" werd getoond op de muziek van de toen nog onbekende componist Saint-Saens. Aanvankelijk betrok choreograaf Mikhail Fokine zijn vrouw Vera Fokina bij de dans, maar Diaghilev zei dat hij de zwaan kon dansenalleen Pavlova. Het resultaat was dat de wereld tientallen jaren lang een verbazingwekkend expressieve dans ontving, uitgevoerd door Anna Pavlova, en de impresario bleek, zoals altijd, gelijk te hebben.

Dyaghilev's ballet in Parijs: Anna Pavlova als gewonde zwaan. Het buikgedeelte van het ballerinakostuum is versierd met een enorme robijn, die bloed uit een wond symboliseert.

Veren op het kostuum en de hoofdtooi zijn natuurlijk, zwaanachtig.

Dyagilev's ballet: de kostuums voor de uitvoeringen waren versierd met natuurlijke juwelen, geborduurd met patronen. Er zijn ook verschillende natuurlijke materialen gebruikt in de decoratie.

Terugkerend naar het verhaal over de voorbereidingen voor de opening van het Diaghilev Russian Ballet in 1909, moeten we ons ook herinneren dat de directeur van alle keizerlijke theaters, Telyakovsky, extra obstakels heeft opgeworpen. In feite zorgde de combinatie van moeilijkheden die zich voordeed voor een klinkende mislukking voor Russian Seasons.

Maar de mislukking vond niet plaats: Diaghilev werd geholpen door oude vrienden en vaste klanten. Prins Argutinsky-Dolgorukov en gravin Maria (Misya) Sert hielpen met de financiering door het benodigde geld in te zamelen.

Parijs applaudisseert: publiek in extase

Het Diaghilev Ballet arriveert in april 1909 in Parijs. Het podium van het beroemde Châtelet Theater werd gehuurd voor het tonen van optredens. Bij aankomst werd het werk gestart om het theater voor te bereiden op de ontvangst van nieuwe voorstellingen en decors:

• het podium was vergroot;
• interieur bijgewerkt;
• dozen staan opgesteld in de kramen.

De laatste repetities waren aan de gang. Tijd, verlangen en gelegenheid vielen samen. MichaelFokine introduceerde zijn eigen ideeën over choreografie in het ballet, die overeenkwamen met de ideeën van Diaghilev.

Het repertoire van 1909 omvatte vijf balletten, opgevoerd door beginnende choreograaf Mikhail Fokin:

• "The Pavilion of Armida" is een voorstelling in één bedrijf en drie bedrijven; het daarop gebaseerde script en ontwerp zijn geschreven door Alexander Benois, muziek van Nikolai Tcherepnin; de rol van Madeleine en Armida werd uitgevoerd door V. Coralli, Vicomte de Beaugency door M. Mordkin; De slaaf van Armida werd gedanst door V. Nijinsky.
• "Polovtsian Dances" is het balletgedeelte van de opera "Prince Igor" op de muziek van Borodin, toen het balletfragment de vorm aannam van een onafhankelijke uitvoering van 15 minuten; decorontwerp door N. Roerich, performers Adolf Bolm, Sofya Fedorova 2e, solist van het Mariinsky Theater E. Smirnova.
• "Feast" is een divertissement op de muziek van nationale dansen gecomponeerd door Russische componisten - Glinka's mazurka, Mussorgsky's "Gopak", Rimsky-Korsakovs mars uit "The Golden Cockerel", Glinka's lezginka, Glazunov's chardash; "Feast" voltooide de vertoning van het Russische ballet van Diaghilev en het doel was om het publiek de hele groep te laten zien in de meest spectaculaire en karakteristieke dansen. Het feest eindigde met een stormachtig fragment uit Tsjaikovski's Tweede symfonie. Alle sterren dansten samen de padekatre, het was een triomf voor de artiesten.

Briljant vervolg

De eerste drie uitvoeringen werden vertoond op 19 mei en op 2 juni 1909 vonden de premières van de uitvoeringen plaats: "The Sylphs" en "Cleopatra".

De show van het ballet "La Sylphides" of "Chopiniana" vond plaats met de deelname van TamaraKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky op muziek van werken van Chopin, gearrangeerd door D. Gershwin, georkestreerd door A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

De kostuums zijn ontworpen door Leon Bakst op basis van litho's van de Italiaanse ballerina Maria Taglioni, in de 19e eeuw beroemd als de Sylph.

De uitvoering werd met enthousiasme ontvangen en het schilderij van Serov, gebaseerd op de impressies van de uitvoering met de afbeelding van Anna Pavlova, zal jarenlang het kenmerk worden van Diaghilevs ballet.

Cleopatra

De voorstelling gebaseerd op het verhaal van Theophile Gauthier heeft een aanzienlijke modernisering ondergaan. Mikhail Fokin introduceerde in de nieuwe muzikale editie, naast de muziek van Arensky, werken van Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Het resultaat is een tragisch einde met dansen die ware passie en verdriet uitdrukken.

Leo Bakst maakte schetsen voor nieuwe scènes en kostuums. De magie van het oude Egypte, muziek en dansers rechtvaardigden de verwachtingen van het publiek volledig met de ongewone uitvoering.

De actie vond plaats op de binnenplaats van de tempel tussen de rode beelden van de goden, de achtergrond was het prachtige glanzende water van de Nijl. Het publiek werd gegrepen door de sensualiteit en expressiviteit van de productie en de hoofdrolspeelster Ida Rubinstein.

Op de foto: het Russische ballet van Diaghilev, het schilderij van L. Bakst voor de dans van de "zeven sluiers" van Cleopatra.

De beroemde Franse schrijver en toneelschrijver Jean Cocteau schreef dat men Diaghilevs Russische ballet in het kort als volgt kan karakteriseren:viering boven Parijs, stralend als de "wagen van Dionysus."

Dus het is klaar en briljant.

Klusjes en stijl

Er waren veel successen, ups en downs tijdens de seizoenen van Diaghilev. Maar het was een levend organisme dat voortdurend in ontwikkeling was. Het verlangen naar iets nieuws, de zoektocht naar de kunst van het ongekende - dit zijn de resultaten van de grote impresario.

Sergei Leonidovich Grigoriev, de vaste directeur en beheerder van het gezelschap, geloofde dat de balletten van Diaghilev zich ook ontwikkelden onder invloed van choreografen.

Lijst van choreografen die nieuwe stadia hebben gecreëerd in de ontwikkeling van balletkunst:

• De tijd van creativiteit in de onderneming van M. M. Fokin, die begint in 1909 en doorgaat tot 1912, ook met zijn deelname, werden producties van 1914 gecreëerd. Mikhail Fokin slaagde erin de klassieke choreografie te veranderen, de mannelijke balletpartijen te benadrukken als nieuwe dansvormen en de plasticiteit van de dans te verrijken.
• De tweede periode in de ontwikkeling van "Russisch ballet" zijn de jaren van het werk van V. F. Nijinsky, van 1912 tot 1913, 1916. Het is moeilijk om de ervaring van een danser en choreograaf te onderschatten bij het creëren van een nieuw ballet vol gevoelens, emoties en verbazingwekkende techniek.

Dyagilev Ballet, foto van solist en choreograaf Vaslav Nijinsky.

• De volgende fase in de introductie van innovaties in balletkunst was de tijd van het werk van L. F. Myasin in de Diaghilev-groep, en beslaat de periode van 1915 tot 1920, 1928. Myasin, die de tradities van Fokine ontwikkelde, compliceerde het danspatroon zoveel mogelijk en introduceerdeonderbroken lijnen, pretentie en verfijning van bewegingen, terwijl je je eigen unieke stijl creëert.
• De vierde ontwikkelingsfase op het pad van de ontwikkeling van het Russische ballet van Diaghilev was de periode van creativiteit van Bronislava Nijinska, beginnend in de seizoenen 1922 - 1924 en 1926. Dit is de tijd van de neoklassieke balletstijl.
• En tot slot, de vijfde ontwikkelingsfase is de jarenlange samenwerking met Diaghilev George Balanchine van 1924 tot 1929. De jaren waarin de choreograaf erin slaagde nieuwe vormen van de 20e eeuw te vestigen, de ideeën van symfonieballetjes, de idee van het primaat van meningsuiting boven de plot.

Ongeacht wie de regisseur was, het Russische ballet van Diaghilev behield de vrijheid van zoeken, was een symbool van avant-garde en innovatieve oplossingen in de kunst, een voorbode van de trends van die tijd.

Decennia lang zal hij een niet gevangen, vrije en begeerde Vuurvogel blijven.

Een volksverhaal of een nieuwe triomf van Diaghilevs ballet in Parijs

Sprekend over de sprookjesachtige motieven die deel uitmaken van vele plots van optredens die op de podia van Frankrijk worden opgevoerd, kan men niet anders dan de meest succesvolle première van 1910 herinneren.

Dit is een productie rond het thema van het verhaal van de Vuurvogel, waarvan het idee lange tijd werd gekoesterd door Mikhail Fokin. In eerste instantie kreeg Lyadov de opdracht om muziek te schrijven, maar omdat hij er zelfs na drie maanden niet mee begon te schrijven, besloot Diaghilev zich tot Stravinsky te wenden, die hij als het nieuwe genie van de Russische muziek beschouwde.

De componist, choreograaf en artiest werkten nauw samen bij het creëren van het ballet, door elkaar te helpen en creatief advies te geven. Het was een unie die het toneel een nieuw ballet gaf, vermengd met modernistische schilderkunst,folklore en avant-gardemuziek. Prachtige landschappen van Alexander Golovin voerden de kijker mee naar een sprookjesachtige wereld.

Het unieke was dat het nieuwe ballet van Diaghilev, de kostuums ervoor waren versierd met goud en juwelen, geborduurd met folkloristische ornamenten en bont.

Met: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Boelgakov - Koschei.

Dankzij het ballet "Firebird" leerde de wereld de grote Russische componist Igor Stravinsky kennen, die de komende 18 jaar zal samenwerken met Diaghilev en werkelijk geweldige muziek zal maken voor de balletten "Petrushka", "The Rite of lente" en anderen.

Dyagilev's ballet: vuurvogel, kostuumontwerp voor het ballet, kunstenaar L. Bakst.

De schandalige mislukking van de "Parade"

Zoals elke grote artiest heeft Diaghilev alles ondergeschikt gemaakt aan het idee van innovatie, hij was niet bang om "voorbarig" te zijn, om tegen de stroom in te gaan.

Veel balletvoorstellingen waren soms zo avant-garde in muziek, choreografie of schilderkunst dat ze door het publiek verkeerd werden begrepen, en hun betekenis werd pas veel later gewaardeerd.

Zo was het ook met de schandalige mislukking van de première in Parijs van "The Rite of Spring" op de muziek van Stravinsky, met de buitensporige choreografie van "Faun" van Nijinsky, de eerste uitvoering van het ballet "Parade" wachtte op de mislukking.

Het ballet werd opgevoerd in 1917. In de context van de voorstelling betekende het woord "parade" een uitnodiging voor blaffers en narren voor de voorstelling, uitnodigendpubliek in de circuscabine. In de vorm van advertenties lieten ze het publiek kleine fragmenten zien van het optreden dat hen te wachten staat.

Dit is een eenakter op muziek van Enrique Satie, decor- en kostuumontwerper Pablo Picasso, script geschreven door Jean Cocteau, choreograaf Leonid Myasin.

Op de foto: kostuums voor het ballet "Parade", Diaghilev met een nieuwe productie in Parijs.

Sommige van Picasso's kubistische kostuums stonden de dansers alleen toe om over het podium te lopen of kleine bewegingen te maken.

Het Parijse publiek beschouwde het kubisme als een Duitse creatie in de kunst. En sinds de Eerste Wereldoorlog gaande was, werd de voorstelling gezien als een aanfluiting en een uitdaging. Het publiek riep "Verdomme boshi!" en haastte zich in de strijd naar het podium. In de pers werd het Russische Ballet uitgeroepen tot bijna verrader van de ideeën van vrijheid.

Ondanks de eerste schandalige uitvoering, werd dit ballet een overgangsmijlpaal in de kunst van de 20e eeuw, zowel op het gebied van muziek als toneelschilderen. En Sati's ragtime-muziek werd later aangepast tot een pianosolo.

De laatste tour en enkele interessante feiten uit het leven van het Russische ballet

Sergei Diaghilev wordt terecht beschouwd als een van de grondleggers van de Russische showbusiness. Hij belichaamde niet alleen alle trends van die tijd op het podium, maar maakte ook de weg vrij voor nieuwe technieken en stijlen op andere niveaus: in schilderkunst, muziek, podiumkunsten.

Zijn "Russische seizoenen" inspireren creatieve mensen nog steeds om nieuwe manieren te vinden om tijd artistiek uit te drukken.

Bijzondere prestaties en feiten overDiaghilev Russisch ballet:

• Er waren in totaal 20 "Russische Seizoenen", waarbij ballet betrokken was. Hoewel Diaghilev aanvankelijk niet van plan was balletvoorstellingen op te nemen in het concertprogramma.
• Voor de enscenering van het acht minuten durende balletnummer "Afternoon of a Faun" dirigeerde V. Nijinsky in totaal negentig dansrepetities.
• S. Diaghilev was een fervent verzamelaar. In 1929 verwierf hij brieven van A. Pushkin gericht aan N. Goncharova in zijn collectie. Ze werden aan hem overhandigd voordat ze vertrokken voor een rondleiding door Venetië. De impresario was te laat voor de trein en stelde het lezen van de brieven een tijdje uit na het einde van de tour, waarbij de verzamelbare zeldzaamheden in de kluis werden gestopt. Maar hij keerde nooit terug uit Venetië.
• De laatste die Diaghilev zagen, waren Misya Sert en Coco Chanel. Ze kwamen hem bezoeken tijdens zijn ziekte. Ze betaalden ook zijn begrafenis, aangezien Diaghilev geen geld bij zich had.
• Het monument voor Diaghilev in het orthodoxe deel van de begraafplaats van San Michele is gegraveerd met een zin die een paar dagen voor zijn dood door de grote impresario is geschreven: "Venetië is de constante inspirator van onze geruststelling."
• Igor Stravinsky en Joseph Brodsky zijn begraven bij het graf van S. Diaghilev.