Etude in de schilderkunst is Het concept, de definitie, de oorsprongsgeschiedenis, beroemde schilderijen en technieken in de schilderkunst

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

Een term als 'etude' wordt gebruikt om te verwijzen naar werken in verschillende kunstvormen die gebruikelijk zijn in de westerse cultuur. Men kan bijvoorbeeld picturale en muzikale schetsen onderscheiden, een schets als een soort schaakcompositie, een theatrale schets die in de pedagogiek wordt gebruikt, bovendien werd een van de eenvoudigste middenformaatcamera's in de Sovjet-Unie zo genoemd.

Sinds de oudheid hebben mensen pogingen ondernomen om de verschillende scènes die zich in hun leven voordoen vast te leggen. Aanvankelijk waren dit beelden uit het geheugen, maar na enige tijd kwamen schilderijen uit de natuur definitief in de kunst. Het zijn tekeningen naar het leven en schetsen van figuren die een speciale plaats innemen in de moderne schilderkunst.

Wat is een etude?

Een schets in de schilderkunst is een kunstwerk dat een ondersteunende rol speelt en volledig uit het leven wordt getrokken. In de hedendaagse beeldende kunst kan naast bijrollen ook een studie de hoofdrol spelen - een volwaardig werk zijn.

Aanvankelijk zijn een schets in de schilderkunst de eerste schetsen die het grote geheel zullen vormen. Het moet het algemene gevoel vastleggen, dat later behouden zal blijven bij het gedetailleerd tekenen van de afbeelding.

Het proces van het maken van een schets in de schilderkunst omvat de studie van licht, kleur, vorm van perspectief en compositie.

In de schilderkunst maakt een studie meestal deel uit van een schilderij. Vaak is dit fragment een werk dat een zelfstandige waarde heeft in de algehele artistieke compositie.

In picturale studies, in tegenstelling tot muzikale studies, worden uit de hele massa voorbereide studies die geselecteerd die het best overeenkomen met de bedoeling van de auteur en de essentie van het werk ondersteunen. Na selectie recyclet de kunstenaar ze volledig en creëert een groot canvas.

Volgens de geschiedenis behoren de etudes tot de tijd van de Renaissance. De Renaissance gaf een nieuwe impuls aan de culturele ontwikkeling van de beeldende kunst.

Hieronder is een voorbeeld van een studie in de schilderkunst.

Opdracht korte opleiding beeldende kunst

Afhankelijk van hoe het onderzoek is gemaakt, kan het van korte of lange duur zijn.

Een kortetermijnstudie in de schilderkunst is een afbeelding die snel wordt uitgevoerd en die alleen de algemene kenmerken weerspiegelt die kenmerkend zijn voor het uiterlijk van de natuur.

Het doel van zo'n etude-schets is om een specifieke momentane staat van de natuur vast te leggen. Gebeurtenissen en fenomenen die vluchtig en uniek zijn, kunnen alleen worden vastgelegd in de vorm van een vluchtige schets. naar zulkeEvenementen omvatten bijvoorbeeld arbeidsgerelateerde processen, sportwedstrijden en landschappen, waarvan de toestand voortdurend verandert door veranderingen in verlichting, de beweging van mensen en dieren. Om de tijd te hebben om deze momenten vast te leggen, heeft de kunstenaar slechts enkele minuten of zelfs seconden tot zijn beschikking, terwijl hij de natuur niet in detail kan onderzoeken en al haar details kan zien. Het belangrijkste voordeel van een kortdurende studie in de schilderkunst is niet de uitwerking en volledigheid ervan, maar vooral de emotionaliteit, frisheid en scherpte, de perceptie van de geziene situatie. Met behulp van een etude-schets weet de kunstenaar op een expressieve manier over te brengen wat er rondom gebeurt.

Vaak worden schetsen voor schilderijen in de schilderkunst op korte termijn gemaakt.

"Functies" van een lange studie

Een lange studie schilderen is een werk dat meerdere sessies in beslag neemt, elke sessie duurt twee tot vier uur.

De belangrijkste taak van een lange studie is de diepte en volledigheid van de studie van de natuur. Bijzondere aandacht wordt besteed aan de aard van zijn vormen, beweging, verhoudingen, structurele structuur, coloristische kenmerken, verlichting, enz. Bij het maken van zo'n etude ontstaat een meer gedetailleerde weerspiegeling van het uiterlijk van de natuur. Na een zorgvuldige studie van het object dat wordt getekend, heeft de kunstenaar, om de inherente kwaliteiten van een picturale en plastische aard volledig weer te geven, de mogelijkheid om de toon, kleur en lijnen te kiezen. Een lange studie verschilt van een schets doordat het actief isindrukken uit de natuur worden verwerkt en het is mogelijk om expressieve middelen te vinden voor hun belichaming.

Stappen bij het maken van kortetermijnstudies

De werkfasen van een studiestudie in de schilderkunst hangen af van het type studie zelf.

Werk aan het maken van een kortetermijnstudie kent geen speciale fasen, omdat het heel snel en vloeiend gebeurt. Omdat er een soort schets wordt gemaakt, is er simpelweg geen duidelijk gedefinieerde volgorde van handelingen.

Volgorde bij het maken van een lange studie

Het maken van een lange studie gebeurt in twee fasen.

Eerste fase (voorbereidend):

• een externe studie en analyse van de getekende natuur vindt plaats;
• de kunstenaar moet een compositorische oplossing vinden, dat wil zeggen, een plaats (standpunt) kiezen van waaruit de schets zal worden uitgevoerd;
• nadat een schets en een schets zijn gemaakt om de compositorische oplossing te onthullen;
• bepaal de vorm en grootte van het werk, het is gerangschikt;
• set kleurenschema;
• kortetermijnschetsen worden gemaakt om enkele van de belangrijkste en meest complexe aspecten van de natuur grondig te bestuderen;
• je kunt in de voorbereidende fase ook het maken van een tekening om te schilderen opnemen (dit gebeurt op een ander, apart vel papier).

Tweede fase (hoofd):

• vooraf gemaakte tekening om te schilderen wordt overgebracht naar een schone basis;
• onderschildering, registratie en beglazing zijn in volle gang;
• een lange studie makenbrengt het uiteindelijk tot integriteit.

Oliestudies

Het gebruik van olieverf bij het maken van een kunstwerk is typisch voor lange studies.

Olieverf in de schone kunsten begon al in de 15e eeuw populair te worden bij Europese kunstenaars. Sindsdien hebben kunstenaars met olieverf de beroemdste werken aller tijden gemaakt.

Omdat olieverf een zeer grillig materiaal is om te schilderen, hebben kunstenaars in de praktijk een aantal regels ontwikkeld die het gebruik ervan vergemakkelijken:

• voordat het werk begint, moet het canvas worden geprimed;
• voordat de volgende laag verf op de vorige wordt aangebracht, moet deze grondig worden gedroogd. Deze regel is erg belangrijk, vooral als er verf wordt gebruikt, geraspt in één olie, die erg langzaam droogt (walnoot, klaproos, zonnebloem).
• noodzakelijk om een te dikke laag olieverf niet aan te brengen.

Ondanks de complexiteit van het werk, werden oliestudies in de schilderkunst eerder getekend en worden ze nu vrij vaak getekend.

Beroemde olieverfschilders

Veel Russische kunstenaars gebruikten olieverf om hun schetsen te maken. Onder hen zijn zulke beroemde persoonlijkheden:

• Isaac Iljitsj Levitan. Meestal schilderde hij lange schetsen in de vorm van landschappen. Onder zijn schilderijen bevinden zich echter ook portretten - zijn zelfportret, Nikolai Petrovich Panafidin en Sofia Petrovna Kuvshinnikova.
• Sergey Marshennikov. Hedendaagse Russische kunstenaar wiens werken worden gekenmerkt door sensueel realisme. Lange studies komen ook onder zijn penseel vandaan. Zijn schilderijen bevatten meestal halfnaakte vrouwen, soms zelfs zijn eigen vrouw, Natalya.
• Dmitry Levin. Door zijn tijdgenoten erkend als een meester van het Russische landschap, die zich heeft bewezen als getalenteerde vertegenwoordigers van de Russische school van realisme. De gehechtheid aan de natuur beschouwt hij als de belangrijkste bron van zijn kunst. Dat is de reden waarom in zijn schilderijen het Russische dorp meestal wordt afgebeeld door een lange studie te maken.

Etudes in aquarel

Etudes in aquarel zijn heel gebruikelijk in de schilderkunst.

Meesters die aquarel gebruiken, zeggen dat je met deze verven alleen met zelfverzekerde bewegingen hoeft te tekenen. Volgens hen, hoe brutaler en scherper de streken, hoe effectiever het eindresultaat zal zijn, en de gebreken, strepen en vlekken geven de schetsen stijl.

Alvorens met waterverf te schilderen, moet het papier grondig met water worden bedekt - zodat de verf beter blijft liggen. Licht opgedroogd papier moet op plaatsen waar vlekken worden verwacht (bijvoorbeeld water en lucht) opnieuw worden bevochtigd. Je moet beginnen met schilderen met aquarellen uit donkere gebieden. Volgens de regels van het schilderen met waterverf zou elk volgend plan, dat de "diepte" van de tekening ingaat, kouder en kouder moeten zijn. Kunstenaars die aquarel gebruiken, gebruiken nooit pure kleuren - ze gebruiken een palet.

Aquarel Masters

Grote Russische artiesten verwaarloosden nietaquarel verven. Onder de meesters van aquarel zijn de volgende kunstenaars:

Fjodor Petrovitsj Tolstoj. Veel beroemde schilderijen, zowel in waterverf als in olieverf, behoren tot zijn penseel. Hij gebruikte meestal aquarelverf om stillevens weer te geven. Een van zijn beroemdste aquarellen is een schilderij van een tros druiven

• Karl Pavlovich Bryullov. Hij gebruikte ook zowel olieverf als aquarellen voor zijn schilderijen. Hij gebruikte meestal aquarellen voor portretten - Maria Petrovna Kikina in de kindertijd, Sylvester Fedoseevich Shchedrin en anderen.
• Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Vertegenwoordiger van de symbolische richting van de moderniteit. Meestal schilderde hij werken met religieuze onderwerpen, maar stillevens verwaarloosde hij niet. Een van de beroemdste aquarelschetsen van Vrubel is Rose in a Glass.