Dürer's zelfportretten: beschrijving, ontstaansgeschiedenis en interessante feiten

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

De titaan van de West-Europese Renaissance, het genie van de Renaissance Albrecht Dürer was een van de helderste sterren aan de hemel van de Duitse schilderkunst. De grootste kunstenaar van de eeuwwisseling van de XV-XVI eeuw werd beroemd om zijn gravures op hout en koper; landschappen gemaakt in aquarel en gouache, realistische levende portretten. Hij werd de eerste kunsttheoreticus in de geschiedenis. Als gediversifieerd persoon creëerde Albrecht Dürer niet alleen uitstekende werken, maar ook intellectuele meesterwerken. Onder hen is de gravure "Melancholie" met zijn magische vierkant.

De briljante kunstenaar werd beroemd om zijn zelfportretten, die zowel vaardigheid als het unieke idee van de auteur bevatten. Tijdens zijn leven heeft Albrecht Dürer minstens 50 van dergelijke werken gemaakt, maar tot op de dag van vandaag zijn er maar weinig bewaard gebleven. Wat is er opmerkelijk aan de zelfportretten van Dürer? Waarom laten ze enthousiaste bewonderaars van zijn werk nog steeds beven?

Zelfportretten als biografie van Albrecht Dürer

Biografen zeggen dat de meesterAlbrecht Dürer was een buitengewoon aantrekkelijke jonge man, en de liefde voor zelfportretten kwam deels voort uit een ijdele wens om mensen te plezieren. Dit was echter niet hun ware doel. Dürers zelfportretten zijn een weerspiegeling van zijn innerlijke wereld en opvattingen over kunst, de geschiedenis van de evolutie van het intellect en de ontwikkeling van artistieke smaak. Daarop kun je het hele leven van de kunstenaar volgen. Elk van zijn fasen is een nieuw werk, opvallend verschillend van de vorige. Durer maakte van het zelfportret een apart genre in de beeldende kunst en zijn werken als geheel werden een levende biografie van de kunstenaar. Ze kunnen soms meer vertellen dan welk boek dan ook.

Het eerste zelfportret van de grote kunstenaar

Het eerste zelfportret van Albrecht Dürer werd gemaakt in 1484. Toen was de kunstenaar pas dertien jaar oud, maar hij wist al hoe hij de verhoudingen correct moest overbrengen en beheerste de zilveren speld perfect. Ze leidden de jonge Albrecht voor het eerst de contouren van zijn gezicht af. Deze tool laat een zilverachtig spoor achter op gegrond papier. Na verloop van tijd krijgt het een bruine tint. Het is bijna onmogelijk om het van het vel te wissen zonder de grond te beschadigen. De dertienjarige Albrecht schilderde echter een portret van hen, waarvan het maken zelfs voor een ervaren kunstenaar uit die tijd moeilijkheden zou hebben opgeleverd.

Op de foto ziet de jonge Durer er bedachtzaam en tegelijkertijd streng uit. Zijn blik is gevuld met verdriet en vastberadenheid. Het handgebaar spreekt van een onverzoenlijk verlangen om je doel te bereiken - een grote meester in je vak worden. Op een dag zag de vader van Albrecht het werk van zijn zoon. Het eerste zelfportret van Dürer sloeg toegetalenteerde juwelier. De vader wilde altijd dat zijn zoon in zijn voetsporen zou treden, maar omdat hij het werk van Albrecht op prijs stelde, stuurde hij hem om te studeren in het atelier van de kunstenaar Michael Wolgemuth. Daar leerde de jonge Dürer de basis van schilderen en graveren.

Vroege pen zelfportret

Aan het einde van de opleiding ging elke artiest, volgens de traditie van die tijd, op reis. Reizend moest hij ervaring opdoen van meesters uit verre landen. Ook Albrecht Dürer volgde deze weg. Het zelfportret, door hem geschreven tijdens een reis naar Europa, is op een heel andere manier gemaakt. Het toont het vermogen van een jonge kunstenaar om op papier de innerlijke staat van iemands ziel te reflecteren. Deze keer gebruikte Dürer een pen en zijn stemming was anders. Op de tekening "Zelfportret met verband" staat Albrechts gezicht vol kwelling en onverholen pijn. Het is bedekt met rimpels, waardoor het beeld somberder wordt. De reden voor de kwelling is niet met zekerheid bekend, maar het lijdt geen twijfel dat ze plaatsvonden.

Zelfportret, 1493

Tegen het einde van Albrechts omzwervingen kwam het nieuws over zijn op handen zijnde huwelijk voorbij. Toen, in de 15e eeuw, kozen ouders zelf een paar voor hun kinderen. Albrechts vader vond een bruid uit een adellijke familie uit Neurenberg. De jonge kunstenaar had er geen bezwaar tegen om met Agnes Frey te trouwen. Er is een standpunt dat Dürer ter gelegenheid van zo'n gebeurtenis Zelfportret met een distel schreef. In die tijd werd het als de norm beschouwd dat toekomstige echtgenoten elkaar op de bruiloft ontmoetten, dus besloot de jonge kunstenaar zijn toekomstige vrouw een speciaal geschenk te geven.

Albrecht is 22 jaar oud op het portret. De jonge man richtte zijn blik op de verte. Hij is gefocust en attent. Albrechts ogen knijpen een beetje vanwege het feit dat hij aan het portret werkte en zichzelf in de spiegel bekeek. De kunstenaar houdt een distel in zijn handen. Hij werd het onderwerp van controverse tussen fans van Durer.

Controverse rond zelfportret met distels

Het equivalent van het woord "distel" in het Duits is männertreu, wat zich letterlijk verta alt als "mannelijke trouw". Dit geeft duidelijk aan dat het zelfportret bedoeld was voor Agnes Frey. Tegenstanders van dit standpunt beweren echter dat de distel een symbool is van de passie van Christus, en dat de doornen van de plant de kwelling van Jezus personifiëren. Bovendien schreef Dürer op een zelfportret: "De Almachtige regelt mijn zaken." En dit geeft ook duidelijk aan dat deze foto een uitdrukking is van de nederigheid en toewijding van de kunstenaar aan God, en geen geschenk aan zijn toekomstige vrouw. Maar alleen Dürer zelf kende de waarheid.

Italiaans werk, 1498

Het volgende werk van de meester Albrecht in het genre zelfportret werd al in Italië gemaakt. De kunstenaar wilde altijd al naar dit land om kennis te maken met de unieke traditie van de Italiaanse schilderkunst. De jonge vrouw en haar familie steunden het idee van reizen niet, maar de pestepidemie die Neurenberg teisterde, maakte de gewenste reis mogelijk. Durer werd getroffen door de felle kleurenpracht van Italiaanse landschappen. Hij schilderde de natuur voor die tijd met een ongelooflijke helderheid. Dürer werd de eerste landschapsschilder in de kunstgeschiedenis. Zijn ideaal was nu het juiste beeld, overeenkomend met natuur en geometrie. Creatiefde sfeer van Italië hielp hem zichzelf te accepteren als een vernieuwend kunstenaar. En dit komt volledig tot uiting in zijn Italiaanse zelfportret.

Het beeldt een zelfverzekerde persoon af die zijn roeping, de missie van de schepper van het schone en het credo van de denker heeft gerealiseerd. Dat was Durer. Het zelfportret, waarvan de beschrijving het mogelijk maakt om de veranderingen in zijn zelfbewustzijn te beoordelen, werd een van de beroemdste werken van de kunstenaar. Durer staat er vol waardigheid op. Zijn houding is recht en zijn blik spreekt vertrouwen uit. Albrecht is rijk gekleed. Zijn zorgvuldig gekrulde haar v alt over zijn schouders. En op de achtergrond van het zelfportret kan men het Italiaanse landschap zien - de pure inspiratie van de kunstenaar.

Vier temperamenten

Dürers volgende werk weerspiegelt volledig zijn aard als denker, evenals zijn verlangen naar zelfkennis. Het zelfportret is opgedragen aan de Griekse leer van de vier temperamenten. Volgens hem zijn mensen verdeeld in optimistisch, cholerisch, melancholisch en flegmatisch. Op de gravure "Men's Bath" belichaamde de grote kunstenaar elk type temperament in een individuele persoon. Durer beschouwde zichzelf als een melancholicus. Een onbekende astroloog vertelde hem hier ooit over. Aangenomen mag worden dat hij in deze rol is afgebeeld op de gravure. De kunstenaar schilderde zichzelf af als een fluitist die zijn vrienden vermaakte.

"Zelfportret als Christus", 1500

Vanuit Italië keerde Dürer niet terug als een timide student, maar als een meester in zijn vak. Thuis ontving Albrecht veel opdrachten die hem bekendheid brachten. Zijn werk was al bekend buiten zijn geboorteland Neurenberg, en de kunstenaar zelf zette zijn zaken opcommerciële basis. Tegelijkertijd naderde een nieuwe eeuw, waarvan het begin zou worden gemarkeerd door het einde van de wereld. De gespannen periode van eschatologische verwachting had een grote impact op meester Albrecht. En in 1500 verscheen het beroemdste werk dat Dürer maakte: "Zelfportret in het beeld van Christus."

Hij veroverde zichzelf vanaf het front, wat een onvoorstelbare vrijmoedigheid was in de 16e eeuw. Alle portretten uit die tijd hadden één ding gemeen: gewone mensen werden altijd met een half gezicht afgebeeld, en alleen Jezus was een uitzondering. Dürer werd de eerste artiest die dit onuitgesproken verbod overtrad. Een doordringende blik, golvend haar, perfecte gezichtsproporties laten hem echt op Christus lijken. Zelfs de hand, afgebeeld aan de onderkant van het doek, is gevouwen in een gebaar dat typisch is voor de heilige vader. De kleuren op de foto zijn ingetogen. Tegen de achtergrond van zwarte, rode, witte en bruine tinten steekt het gezicht van de kunstenaar fel af. Gekleed in gewaden afgezet met bont, leek meester Albrecht zichzelf te vergelijken met een schepper die zijn eigen speciale, mysterieuze en unieke wereld creëert met een beitel en penseel.

Religieuze zelfportretten

Dürers latere zelfportretten hadden een uitgesproken religieus karakter. De 16e eeuw was vol omwentelingen in verband met de realisatie van de rol van God in het leven van een gewoon persoon. Een haalbare bijdrage aan deze kwestie werd geleverd door Maarten Luther, die probeerde de essentie van de christelijke leer op mensen over te brengen. En Dürer schreef talrijke religieuze composities. Onder hen zijn het Feest van de Rozenkrans en de Aanbidding van de Heilige Drie-eenheid. Op hen is Dürer niet alleen een meester, maar ookdeelnemer aan heilige activiteiten. Op deze manier bracht hij hulde aan toewijding aan God.

Het meest openhartige zelfportret

Religieuze boventonen zijn een van de meest controversiële en mysterieuze werken van de kunstenaar - "Nude Self-Portrait". Albrecht Dürer portretteerde zichzelf als Christus de Martelaar. Dat blijkt uit een mager gezicht, een uitgemergeld lichaam, een pose die doet denken aan Jezus tijdens de geseling. Zelfs de door de kunstenaar afgebeelde huidplooi over de rechterdij kan een symbolische betekenis hebben. Er was een van de wonden die Christus had opgelopen.

De tekening is gemaakt met pen en penseel op getint groen papier. Het exacte tijdstip waarop het zelfportret is gemaakt, is niet bekend, maar op basis van de leeftijd van de kunstenaar op de foto kan worden aangenomen dat hij het in het eerste decennium van de 16e eeuw heeft geschilderd. Het is authentiek bekend dat de auteur het werk thuis bewaarde en niet aan het grote publiek presenteerde. Geen enkele kunstenaar voor of na hem beeldde zichzelf volledig naakt af. De tekening, schokkend met zijn openhartigheid, is nauwelijks te vinden in publicaties gewijd aan kunst.

De laatste zelfportretten van Albrecht Dürer

Dürers volgende zelfportretten voorspelden zijn naderende dood. In Nederland werd hij getroffen door een vreemde aandoening, waar niemand op dat moment enig idee van had. Nu kunnen historici alleen maar speculeren dat het malaria was. De kunstenaar had problemen met de milt, wat hij duidelijk aangaf in het zelfportret “Dürer the Sick” met een gele vlek. Hij stuurde deze tekening naar zijn dokter en schreef hem een kort bericht. Het zei dat de plaats waarop is afgebeeldgele vlek, veroorzaakt pijn. De weerspiegeling van de fysieke conditie van de kunstenaar en de voortzetting van het religieuze thema was "Zelfportret naar het beeld van de lijdende Christus." Het beeldt Dürer af, gekweld door een onbekende ziekte en geestelijke onenigheid, waarvan de oorzaak misschien de Reformatie en aanverwante gebeurtenissen was.

Hij stierf spoedig en liet aan zijn nakomelingen de grootste erfenis van zijn tijd na. De zelfportretten van Dürer, bewaard in de beroemdste galerijen ter wereld, zoals het Louvre in Parijs en het Prado in Madrid, verbazen nog steeds met hun innerlijke kracht en bijna mystieke schoonheid.