Marmeren standbeeld: de geschiedenis van de beeldhouwkunst, de grootste beeldhouwers, wereldmeesterwerken, foto's

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

Wit marmer is het meest vruchtbare materiaal voor sculpturale werken met mensen. Het is zo zacht dat het zich goed leent voor de snijder, maar tegelijkertijd is het dicht genoeg om de fijnste details te snijden en perfect te slijpen. Het marmeren beeld geeft het beste de emotionele toestand, sensualiteit en anatomische perfectie van het menselijk lichaam weer. De beeldhouwers van het oude Griekenland waren de eersten die de beeldhouwkunst naar een dergelijk niveau brachten, toen het leek alsof een dode steen tot leven begon te komen en prachtige contouren kreeg. Sindsdien hebben kunstenaars uit andere tijdperken consequent geprobeerd de techniek van marmeren beeldhouwkunst te verbeteren om hun verheven ideeën zo levendig en figuurlijk mogelijk uit te drukken, om onberispelijke vormen en de diepte van menselijke gevoelens over te brengen.

Waarom marmer?

Sinds de oudheid gebruikten de Egyptenaren op grote schaal verschillende soorten steen voor de vervaardiging van sculpturale vormen, zoals zwarte obsidiaan en bas alt, groenbruin dioriet, paars porfier, zacht calcietalbast, kalksteen. Sinds de oudheid worden beelden gemaakt van brons en legeringen. Dus waarom wordt marmer zo gewaardeerd door kunstenaars, en waarom lijken werken van dit materiaal bijna levend?

Net als albast, waarvan de dunne platen het licht goed doorlaten, is marmer samengesteld uit calciet en behoudt het ook wat lichttransmissie. Een fluweelachtige textuur vormt geen contrasterende highlights en scherpe diepe schaduwen die inherent zijn aan metaal, en produceert een zacht spel van licht en schaduw. Sculpturaal marmer heeft een dichte structuur en de lichtste toon, die, samen met het glad polijsten van het materiaal, het licht goed reflecteert, in tegenstelling tot gekleurde stenen. Al deze kwaliteiten geven de indruk van levend vlees in marmeren sculpturen in grotere mate dan die gemaakt van ander materiaal.

Sculpturaal marmer bevat de minste hoeveelheid onzuiverheden, wat niet alleen de bijna witte kleur aantast, maar ook de uniformiteit van de steen. Het is een gemakkelijk te verwerken kunststof, maar compact en hard genoeg om spleten en scheuren te voorkomen, zodat je de kleinste details kunt uitwerken. Dat is de reden waarom marmer vooral de voorkeur heeft van beeldhouwers.

Oudheid

De oude Griekse beeldhouwkunst bereikte zijn hoogtepunt in de 5e eeuw voor Christus. In die tijd ontwikkelden zich de basistechnieken, technieken, wiskundige berekeningen die nodig zijn voor de geboorte van standbeelden. Er heeft zich een speciaal systeem van verhoudingen gevormd dat het ideaal van de schoonheid van het menselijk lichaam definieert en is een klassieke canon geworden vooralle generaties kunstenaars. In de loop van een eeuw bereikte het niveau van vakmanschap van de Griekse beeldhouwkunst de perfectie. De beelden uit die periode waren echter meestal gemaakt van brons en hout met gouden en ivoren versiering. Marmeren beelden sierden voornamelijk de frontons, friezen en buitenmuren van tempels, meestal in de vorm van reliëfs, bas-reliëfs en hoge reliëfs, dat wil zeggen, gedeeltelijk ondergedompeld in het achtergrondvlak.

Vanaf de 4e eeuw voor Christus worden de sculpturale werken van Griekenland gekenmerkt door een speciale plasticiteit van poses, de overdracht van sensualiteit, drama en splitsing, voor de belichaming waarvan de meesters marmer begonnen te verkiezen. De grote oude beeldhouwers verheerlijkten de schoonheid van menselijke gevoelens en het lichaam en creëerden "levende" marmeren beelden. In de grootste musea ter wereld bewonderen mensen tot op de dag van vandaag de perfectie van gebeeldhouwde vormen en het virtuoze werk van kunstenaars zoals Scopas, Praxiteles, Lysippus, minder bekende beeldhouwers en degenen wier naam de geschiedenis niet heeft bewaard. Klassieke werken dienen vele eeuwen als academische standaard, die tot aan de periode van de moderne kunst werd gevolgd door alle generaties beeldhouwers.

Middeleeuwen

Het is verbazingwekkend hoe snel met de komst en ontwikkeling van het christendom de prestaties van de oude kunsten en wetenschappen in de vergetelheid raakten. De hoge vaardigheid van beeldhouwers werd teruggebracht tot het niveau van het gebruikelijke ambacht van onbekwame beeldhouwers. Al aan het einde van de 12e eeuw, nogal ruwe en primitieve beelden, niet volledig uitgesneden en gescheiden vande fundamenten bleven onderdeel van het stenen blok, dat in de muur van de tempel was gemonteerd. Vrijstaande figuren verschijnen pas vanaf de 13e eeuw, maar met uitdrukkingsloze gezichten in beperkte statische poses, een beetje als archaïsche idolen, bleven ze slechts een architecturale toevoeging. Naakte natuur en de weerspiegeling van sensualiteit worden onaanvaardbaar, de klassieke principes van schoonheid en verhoudingen worden vergeten. Bij de vervaardiging van een marmeren beeld wordt meer aandacht besteed aan de plooien van kleding, en niet aan het gezicht, dat een bevroren uitdrukking van onverschilligheid kreeg.

Renaissance

Pogingen om de verloren kennis en vaardigheid van beeldhouwkunst nieuw leven in te blazen, om een theoretische basis van technieken te creëren, begonnen aan het einde van de twaalfde eeuw in Italië. Met het begin van de XIII eeuw op het schiereiland Apennijnen, werd Florence het centrum voor de ontwikkeling van kunst en culturele invloed, waar alle getalenteerde en bekwame ambachtslieden zich haastten. Tegelijkertijd wordt in Pisa de eerste grote beeldhouwschool geopend, waar kunstenaars de wetten van de oude architectuur en beeldhouwkunst bestuderen en herontdekken, en verandert de stad in het centrum van de klassieke cultuur. Beelden maken wordt een discipline op zich, in plaats van een kleine toevoeging aan de architectuur.

De 15e eeuw was een totale periode van verandering in de kunst. Kunstenaars doen herleven en nemen als standaard de wetten van de verhoudingen en canons van schoonheid die in de oudheid werden erkend. In het bronzen en marmeren beeld streven de beeldhouwers er opnieuw naar om menselijke gevoelens nobel en subliem weer te geven, de subtiele nuances van emoties over te brengen, de illusie van beweging te reproduceren en de poses van de figuren te vergemakkelijken. Deze kwaliteiten onderscheiden het werk van Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio en de grootste meester Donatello.

Hoge Renaissance

De korte fase van de Renaissance wordt de Hoge Renaissance genoemd en beslaat de eerste dertig jaar van de 16e eeuw. Deze korte periode bleek een explosie van creatieve genialiteit die onovertroffen creaties achterliet en de vorming van verdere trends in de kunst beïnvloedde.

Italiaanse beeldhouwkunst in zijn ontwikkeling bereikte zijn hoogtepunt, en zijn hoogtepunt was het werk van de grootste kunstenaar en beeldhouwer aller tijden - Michelangelo. Het marmeren beeld, dat uit de handen van deze getalenteerde meester kwam, combineert de hoge complexiteit van de compositie, de perfecte technische verwerking van het materiaal, de perfecte weergave van het menselijk lichaam, de diepte en verhevenheid van gevoelens. Zijn werken ademen een gevoel van spanning, verborgen kracht, kolossale spirituele kracht, ze zijn vol nobele grootsheid en tragiek. Onder de sculpturale werken van de meester, "Mozes", worden de compositie "Lamentation of Christ" ("Pieta") en een marmeren standbeeld van David beschouwd als een grote prestatie van menselijk genie. Volgens kunsthistorici zou na Michelangelo niemand zoiets kunnen herhalen. Krachtige, te vrije en uiterst individuele stijl door het enorme talent van de kunstenaar en was buiten het bereik van zijn vele leerlingen, volgers en navolgers.

Barok

In het stadium van de late renaissance, genaamdmaniërisme, een nieuwe stijl wordt gevormd - barok. Het is gebaseerd op de principes van absoluut classicisme, maar de sculpturale vormen verliezen hun vroegere eenvoud van lijnen, oprechtheid en nobelheid van het idee. De poses van de personages krijgen overdreven pretenties en maniertjes, ingewikkelde composities worden gecompliceerd door een overdaad aan details en de getoonde gevoelens zijn theatraal overdreven. De meeste beeldhouwers, die het uiterlijke effect najagen, probeerden alleen de vaardigheid van uitvoering en hun rijke verbeeldingskracht te tonen, wat tot uiting kwam in de zorgvuldige studie van talrijke details, pretentie en opeenhoping van vormen.

Deze periode wordt echter gekenmerkt door een uiterst fijne, bijna sieradentechniek en vaardigheid in het aanbrengen van marmer. Uitstekende beeldhouwers zoals Giovanni Bologna (een leerling van Michelangelo), Bernini en Algardi brachten op meesterlijke wijze de indruk van beweging over, en niet alleen zeer complexe, soms schijnbaar onstabiele composities en poses van figuren, maar ook prachtig gesneden, zoals glijdende plooien van gewaden. Hun werken zijn erg sensueel, ze lijken perfect en beïnvloeden de diepste emoties van de kijker, waardoor zijn aandacht voor een lange tijd wordt vastgehouden.

Er wordt aangenomen dat de stijl tot het einde van de 18e eeuw standhield en zich ook in andere richtingen manifesteerde. Maar in de 19e eeuw, toen kunstenaars alleen de vorige stadia van de kunst reproduceerden, kwamen barokke kenmerken vaak tot uiting in de beeldhouwkunst. Zo'n geweldig voorbeeld zijn de marmeren beelden met een sluier van de Italiaanse meester Rafael Monti, die de ondenkbare illusie van een transparante sluier van steen creëerde.

Conclusie

Gedurende de 19e eeuw stond het marmeren beeld nog steeds onder de absolute invloed van het strikt classicisme. Sinds de tweede helft van de eeuw zoeken beeldhouwers naar nieuwe uitingsvormen voor hun ideeën. Ondanks de snelle verspreiding van realisme in de schilderkunst, toen kunstenaars probeerden de ware realiteit van het leven weer te geven, bleef de beeldhouwkunst echter lange tijd in de greep van het academisme en de romantiek.

De laatste twintig jaar van de eeuw werden gekenmerkt door een realistische en naturalistische trend in het werk van de Franse beeldhouwers Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Maar vooral het werk van het genie Auguste Rodin, die de voorloper van de moderne kunst werd, viel op. Zijn volwassen werken, die vaak schandaal veroorzaakten en bekritiseerd werden, belichaamden de kenmerken van realisme, impressionisme, romantiek en symboliek. De sculpturen "Burgers van Calais", "De Denker" en "De Kus" worden erkend als wereldmeesterwerken. Sculptuur van Rodin is de eerste stap naar de vormen van de komende trends van de 20e eeuw, toen het gebruik van marmer geleidelijk werd verminderd ten gunste van andere materialen.