Monochroom schilderen: kenmerken, voorbeelden

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

Artiesten weten al lang dat kleur kan worden gebruikt om sterke emotionele reacties bij mensen op te roepen. Kunstenaars als Van Gogh lieten zich hierdoor inspireren om meesterwerken te maken met veel kleuren. Andere kunstenaars denken daar echter anders over. Ze streven ernaar een meesterwerk te maken met slechts één kleur.

Definitie

Monochroom schilderen is een kunstwerk dat met slechts één kleur is geschilderd. In feite betekent het woord "monochroom" letterlijk "één kleur". Dit is een andere benadering van kunst, maar het wordt veel breder gebruikt dan de meeste mensen denken.

Techniek

Hoe wordt een schilderij gemaakt als er maar één kleur wordt gebruikt? De sleutel hiervoor is dat bijvoorbeeld blauw en groen verschillende kleuren zijn, maar marineblauw en cyaan niet; het zijn gewoon tinten van dezelfde kleur. Aan de basiskleur kan wit worden toegevoegd, waardoor deze lichter wordt. Theoretisch kan dit worden voortgezet totdat bijna puur wit is bereikt. Tegelijkertijd kan de kleur donkerder worden gemaakt door zwart toe te voegen. Dus de artiestenkan een hele afbeelding schilderen, bestaande uit lijnen, elementen en vormen in verschillende tinten, die technisch gezien een schilderij in één kleur zijn.

Waarom monochrome schildertechniek gebruiken

Artiesten weten hoe diep kleur wordt weerspiegeld in menselijke emoties. Monochromatische schilderijen zijn krachtige manieren geworden om diepe persoonlijke ervaringen op te roepen, waardoor kunstenaars verder worden aangemoedigd om emotie en spiritualiteit te verkennen door middel van monochrome kunst.

Artiesten verkleinen hun kleurenpalet om vele redenen, maar meestal is het een manier om de aandacht van de kijker te vestigen op een bepaald onderwerp, concept of techniek. Zonder alle complexiteit van het werken in kleur, wordt het mogelijk om te experimenteren met vorm, textuur en symbolische betekenis.

Monochroom schilderen in zwart, wit en grijs wordt ook wel grisaille genoemd.

Richtingontwikkeling

De oudste bewaard gebleven werken van westerse kunst gemaakt in grisaille zijn gemaakt in de middeleeuwen. Ze zijn ontworpen om alle afleiding te elimineren en de geest te concentreren. Omdat kleur het dagelijks leven doordringt, kunnen zwart en wit een overgang naar de andere wereld aangeven of een spirituele context hebben.

Voor sommigen was kleur een verboden vrucht en verboden door religieuze ordes die een vorm van esthetische ascese beoefenden. Zo werd glas-in-lood in de grisaille-techniek door de cisterciënzermonniken in de 12e eeuw gemaakt als alternatief voor heldere kerkramen, met zijn doorschijnendegrijzige panelen, met afbeeldingen soms geschilderd in zwart en geel. Licht en elegant van uiterlijk, het glazen raamrooster won aan populariteit buiten de bestelling en werd uiteindelijk het model in veel Franse kerken.

Licht- en schaduwstudies

Sinds de 15e eeuw schilderen kunstenaars in zwart-wit om het hoofd te bieden aan de uitdagingen van de onderwerpen en composities die ze verbeelden. Kleurverwijdering stelt kunstenaars in staat zich te concentreren op hoe licht en schaduw op het oppervlak van een figuur, object of scène vallen voordat ze naar een full colour canvas gaan.

Grisail-schilderijen

Steeds meer begonnen schilderijen in grisaille als zelfstandige kunstwerken te verschijnen.

De Sint-Barbara van Jan van Eyck (1437, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen) is het vroegst bekende voorbeeld van monochroom werk op paneel geschilderd in Oost-Indische inkt en olie.

Eeuwenlang hebben kunstenaars zichzelf uitgedaagd om het uiterlijk van stenen beeldhouwkunst in de schilderkunst te imiteren. Noord-Europa had een voorliefde voor illusoire decoratieve elementen zoals decoratieve muurschilderingen en gebeeldhouwd gips. Het grootste succes in deze praktijk werd behaald door de kunstenaar Jacob de Wit. Zijn werk zou gemakkelijk kunnen worden aangezien voor een driedimensionaal muurreliëf.

Abstractie

Abstracte kunstenaars wenden zich vaak tot monochrome schilderkunst. Als artiesten toegang hebben tot al het mogelijketinten, kan het gebrek aan kleur des te schokkender of tot nadenken stemmend zijn. In 1915 schilderde de Kievse kunstenaar Kazimir Malevich de eerste versie van zijn revolutionaire Black Square en kondigde aan dat dit het begin was van een nieuw soort niet-representatieve kunst. Het werk van Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella en Cy Tumbley illustreert het gebruik van minimale kleur voor maximale impact.

Kunstenaars die geïntrigeerd zijn door kleurentheorie en de psychologische effecten van kleur (of het ontbreken daarvan) manipuleren licht, ruimte en tint om een specifieke reactie van de kijker op te roepen.

Inkt schilderij

Met dit soort kunst kan de kunstenaar uitgesproken contrastgebieden creëren. In de meeste gevallen is inktverven het aanbrengen van zwarte inkt op een wit oppervlak, waardoor dit contrast ontstaat. Om de nodige overgangen bij schaduw te creëren, wordt de methode van het aanbrengen van meerdere lagen gebruikt. Dergelijke methoden omvatten bijvoorbeeld verschillende soorten arcering.

Monochroom schilderij van Japan

Dit soort kunst komt uit China. Het was in deze culturele, filosofische en artistieke context dat de monochrome schilderkunst werd geboren.

Van alle kunsten in China is schilderen de belangrijkste, het onthult het geheim van het universum. Het is gebaseerd op een fundamentele filosofie, het taoïsme, die duidelijke concepten uiteenzet van de kosmologie, het lot van de mens en de relatie tussen de mens en het universum.

Schilderen is de toepassing van deze filosofie terwijl het de mysteries van het universum doordringt.

In de traditioneleChinese schilderkunst heeft vier hoofdonderwerpen die in de Japanse schilderkunst fundamenteel hetzelfde zijn: landschappen, portretten, vogels en dieren, bloemen en bomen.

In Japan, tijdens het Kamakura-tijdperk (1192-1333), werd de macht gegrepen door krijgers (samoerai). In deze tijd werd, dankzij de bedevaart van monniken naar China en hun handel daar, een groot aantal schilderijen naar Japan gebracht. Dit feit had grote invloed op de kunstenaars die in tempels werkten in opdracht van opdrachtgevers en kunstverzamelaars (shoguns).

Import inspireerde niet alleen een verandering in het onderwerp, maar promootte ook een innovatief kleurgebruik: yamato-e (9e-10e-eeuwse rolschildering) werd vervangen door Chinese monochrome technieken.

De verbazingwekkende werken van de grote boeddhistische meesters en schilders van de Tang- en Song-dynastieën, schilderijen geschreven in zwarte Chinese inkt, werden in Japan (eind 13e eeuw) suibok-ga of sumi-e genoemd. Deze stijl van schilderen werd oorspronkelijk gemonopoliseerd door zen-boeddhisten en vervolgens overgenomen door monniken en kunstenaars die doordrongen waren van deze geest, en lange tijd waren schilderen met zwarte inkt en zen-schilderen (Zenga) praktisch onafscheidelijk.

De grootste sumi-meester van deze periode is Sesshu Toyo (1420-1506), een monnik uit Kyoto die inktschilderen studeerde in China. Sesshu was de enige kunstenaar die de filosofische basis van dit soort schilderkunst assimileerde en belichaamde met een originele geest in Japanse thema's en artistieke taal, evenals in relatie tot de ruimtelijke representaties van Chineseartiesten van die tijd.