Wat is Japans theater? Soorten Japans theater. Theater nr. Het Kyogen-theater. Kabuki-theater

2024 Auteur: Leah Sherlock | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-17 05:45

Japan is een mysterieus en onderscheidend land, waarvan de essentie en tradities voor een Europeaan erg moeilijk te begrijpen zijn. Dit is grotendeels te wijten aan het feit dat het land tot het midden van de 17e eeuw gesloten was voor de wereld. En nu, om de geest van Japan te voelen, om de essentie ervan te kennen, moet je je tot kunst wenden. Het drukt de cultuur en het wereldbeeld van de mensen uit als nergens anders. Een van de oudste en vrijwel onveranderde vormen van kunst die tot ons is gekomen, is het Japanse theater.

Geschiedenis van het Japanse theater

De wortels van het Japanse theater gaan terug naar het verre verleden. Ongeveer anderhalfduizend jaar geleden drongen dansen en muziek Japan binnen vanuit China, Korea en India, en het boeddhisme kwam van het vasteland - dit moment wordt beschouwd als het begin van de geboorte van theatrale kunst. Sindsdien bestaat het theater op de continuïteit en het behoud van tradities. Wetenschappers suggereren dat het Japanse theater zelfs delen van het oude drama bevat. Dit zou kunnenbevordering van de band van het land met de Hellenistische staten van Klein-Azië, evenals met India en China.

Elk theatergenre dat uit de diepten der eeuwen voortkwam, heeft zijn oorspronkelijke wetten en eigenheid behouden. Zo worden de toneelstukken van toneelschrijvers uit het verre verleden vandaag opgevoerd volgens dezelfde principes als vele eeuwen geleden. De eer hiervoor komt toe aan de acteurs zelf, die oude tradities bewaren en doorgeven aan hun studenten (meestal hun kinderen), en acteerdynastieën vormen.

Geboorte van theater

De geboorte van theater in Japan wordt geassocieerd met het verschijnen in de 7e eeuw van de Gigaku-pantomime, wat "acteerkunst" betekent, en de Bugaku-dans - "de kunst van de dans". Een ander lot trof deze genres. Gigaku stond tot de 10e eeuw op het toneel van theaters, maar kon de concurrentie met complexere pantomime-genres niet aan en werd door hen gedwongen. Maar Bugaku worden vandaag uitgevoerd. Aanvankelijk gingen deze uitvoeringen over in tempelfestiviteiten en binnenplaatsceremonies, daarna begonnen ze afzonderlijk te worden uitgevoerd, en na het herstel van de macht bloeide dit genre van Japans theater op en werd het zelfs nog populairder.

Traditioneel worden de volgende soorten Japans theater onderscheiden: nee, of nogaku, bedoeld voor de aristocratie; kabuki, een theater voor het gewone volk, en bunraku, een poppenkast.

Traditioneel Japans theater vandaag

In de moderne tijd kwam Europese kunst naar Japan, en dus ook het moderne theater. Massavoorstellingen in westerse stijl, opera en ballet, begonnen te verschijnen. Maar het traditionele Japanse theater slaagde erin zijn plaats te verdedigen en zijn populariteit niet te verliezen. Het niet waarddenk dat hij een tijdloze zeldzaamheid is. Acteurs en toeschouwers zijn levende mensen. Geleidelijk veranderen hun interesses, smaken, percepties. Onvermijdelijk, eeuwenlang de penetratie van moderne trends in de gevestigde en evoluerende theatrale vorm. Zo werd de tijd van de uitvoering verkort, het tempo van de actie zelf versneld, omdat de kijker vandaag niet zoveel tijd voor contemplatie heeft als bijvoorbeeld in de middeleeuwen. Het leven dicteert zijn eigen wetten en het theater past zich er geleidelijk aan aan.

Het theater van de aristocratie maar

Het theater werd geboren maar in de 14e eeuw en kreeg grote populariteit onder de aristocratie en samoerai. Het was oorspronkelijk exclusief bedoeld voor de hogere klasse van Japan.

Het theater heeft zich gedurende vele eeuwen ontwikkeld en is een nationale traditie geworden met een diepe filosofische en spirituele betekenis. Het landschap is eenvoudig, de nadruk ligt op maskers, waarvan de betekenis wordt benadrukt door de kimono. Kimono's en maskers worden op elke school van generatie op generatie doorgegeven.

Het toneelstuk ziet er zo uit. Shite (de hoofdpersoon) vertelt op de klanken van fluiten, trommels en een koor verhalen over vredig leven en veldslagen, overwinningen en nederlagen, moordenaars en monniken, wiens helden geesten en stervelingen, demonen en goden zullen zijn. De vertelling is zeker uitgevoerd in een archaïsche taal. Maar - het meest mysterieuze genre van het Japanse traditionele theater. Dit wordt verklaard door de diepe filosofische betekenis, niet alleen van de maskers zelf, maar ook van alle details van de uitvoering, die een geheime betekenis hebben en alleen toegankelijk zijn voor een verfijnde kijker.

Theatraalde voorstelling duurt drieënhalf tot vijf uur en bevat verschillende stukken die worden afgewisseld met dansen en miniaturen uit het leven van gewone mensen.

Maskers maar

Maar - Japans maskertheater. Maskers zijn niet gebonden aan een bepaalde rol, ze dienen om emoties over te brengen. In combinatie met de symbolische acties van de acteurs en de muziek creëren de maskers een unieke sfeer van het Tokugawa theater. Hoewel het op het eerste gezicht moeilijk te geloven is dat maskers niet echt dienen om emoties over te brengen. Gevoelens van verdriet en vreugde, woede en nederigheid worden gecreëerd door het spel van licht, de kleinste kanteling van het hoofd van de acteur, composities van het toespraakkoor en muzikale begeleiding.

Het is interessant dat verschillende scholen verschillende kimono's en maskers gebruiken voor dezelfde uitvoeringen. Er zijn maskers die voor sommige rollen worden gebruikt. Tegenwoordig zijn er ongeveer tweehonderd maskers die tot op de dag van vandaag bewaard zijn gebleven en zijn gemaakt van Japanse cipres.

Prestaties maar

Het theater is vreemd aan het realisme en eerder gebouwd op de verbeelding van het publiek. Op het toneel, soms zonder decor, voeren de acteurs een minimum aan handelingen uit. Het personage doet maar een paar stappen, maar uit zijn toespraken, gebaren en koorbegeleiding blijkt dat hij een lange weg heeft afgelegd. Twee helden die naast elkaar staan, merken elkaar misschien pas op als ze oog in oog staan.

Het belangrijkste voor het theater zijn gebaren. Gebaren combineren zowel gebaren die een bepaalde betekenis hebben als gebaren die vanwege schoonheid worden gebruikt en geen enkele betekenis hebben. Een bijzondere intensiteit van passies in dit theater wordt overgebracht door volledige stilte engebrek aan beweging. Het is erg moeilijk voor een onervaren kijker om te begrijpen wat er op zulke momenten op het podium gebeurt.

Kyogen Theater

Japans kyogen-theater verscheen bijna gelijktijdig met het maar-theater, maar het verschilt er sterk van in thema en stijl. Maar - het theater van drama, ervaringen en passies. Kyogen is een farce, een komedie vol simpele grappen, obsceen en leeg poespas. Kyogen is voor iedereen toegankelijk, de betekenis van het stuk en de acties van de acteurs hoeven niet te worden ontcijferd. Traditioneel dienen kyogen-toneelstukken als een intermezzo in theatervoorstellingen.

Het repertoire van het kyogen-theater omvat toneelstukken uit de 15e-16e eeuw. Het gaat om ongeveer tweehonderdzestig werken, waarvan de auteurs grotendeels onbekend zijn. Tot het einde van de 16e eeuw werden toneelstukken van mond tot mond doorgegeven van leraar op leerling en werden ze niet op papier opgeschreven. Pas tegen het einde van de 17e eeuw begonnen geschreven media te verschijnen.

Er is een duidelijke classificatie van toneelstukken in Kyogen:

• over de goden;
• over feodale heren;
• over vrouwen;
• over boze geesten, enz.

Er zijn producties die kleine familieproblemen belichten. Ze spelen met de onstandvastigheid van mannen en de sluwheid van vrouwen. De meeste toneelstukken zijn gewijd aan een dienaar genaamd Taro.

Kyogen-personages zijn gewone mensen in wiens leven niets bijzonders gebeurt. Aan het begin van het stuk worden alle personages voorgesteld aan het publiek. Acteurs van het theater zijn verdeeld in groepen: hoofd - zit, secundair - ado, derde - koado, vierde in belang - chure en vijfde in belang.betekenis - tomo. De grootste kyogen-acteerscholen zijn Izumi en Okura. Ondanks dat noh en kyogen verwant zijn, worden de acteurs voor deze theaters apart opgeleid.

Het Japanse kyogen-theatergenre heeft drie soorten kostuums:

• Dhr;
• bedienden;
• vrouwen.

Alle kostuums zijn gemaakt volgens de mode van de 16e en vroege 17e eeuw. Soms kunnen maskers worden gebruikt in theatervoorstellingen. Maar dit zijn geen maskers, maar het uiten van emoties, het zijn maskers die de rol van het personage bepalen: een oude vrouw, een oude man, een vrouw, een demon, een god, dieren en insecten.

Na het einde van de Tweede Wereldoorlog werd het kyogen-theater bijgewerkt en begonnen de toneelstukken onafhankelijk te worden uitgevoerd, en niet alleen als onderdeel van de noh-theatervoorstellingen.

Kabuki - tempeldanser theater

Kabuki-uitvoeringen waren oorspronkelijk bedoeld voor iedereen. Kabuki-theater verscheen aan het begin van het Tokugawa-tijdperk en wordt geassocieerd met de naam van de tempeldanser en de dochter van de smid Izumo no Okuni.

Het meisje verhuisde in de 17e eeuw naar Kyoto, waar ze rituele dansen begon uit te voeren aan de oevers van de rivier en in het centrum van de hoofdstad. Geleidelijk begonnen romantische en erotische dansen op het repertoire te komen, en muzikanten voegden zich bij de uitvoering. Na verloop van tijd nam haar optreden in populariteit toe. Okuni slaagde er snel in om dansen, ballads en gedichten te combineren tot één geheel in uitvoeringen, waardoor het Japanse kabuki-theater ontstond. Letterlijk wordt de naam van het theater vertaald als 'de kunst van het zingen en dansen'. Op dit moment namen alleen meisjes deel aan de uitvoeringen.

De populariteit van het theater groeide,vaak begonnen hooggeplaatste inwoners van de hoofdstad verliefd te worden op de mooie dansers van het gezelschap. De regering hield niet van deze gang van zaken, vooral omdat gevechten begonnen te worden geregeld voor de liefde van actrices. Dit, evenals overdreven expliciete dansen en scènes, leidde ertoe dat al snel een decreet werd uitgevaardigd dat vrouwen verbood om deel te nemen aan uitvoeringen. Dus, onna kabuki, het vrouwentheater, hield op te bestaan. En op het podium was er een mannelijk Japans theater - wakashu kabuki. Dit verbod gold voor alle theatervoorstellingen.

In het midden van de 19e eeuw werd het decreet officieel geannuleerd. De traditie van het uitvoeren van alle rollen in uitvoeringen door mannen is echter tot op de dag van vandaag bewaard gebleven. Het canonieke Japanse theater is dus het mannelijke Japanse theater.

Kabuki vandaag

Tegenwoordig is het Japanse kabuki-theater de meest populaire van de traditionele dramatische kunsten. Theateracteurs zijn bekend in het land en worden vaak uitgenodigd voor tv- en filmopnames. Vrouwenrollen in veel gezelschappen werden opnieuw door vrouwen uitgevoerd. Bovendien zijn er volledig vrouwelijke theatergroepen verschenen.

De essentie van kabuki-theatervoorstellingen

Kabuki-theater belichaamt de waarden van het Tokugawa-tijdperk, ze vormen de basis van de plots. Dit is bijvoorbeeld de wet van gerechtigheid, die het boeddhistische idee belichaamt van het belonen van een lijdende persoon en de onmisbare straf van een schurk. Ook het boeddhistische idee van de vergankelijkheid van het aardse wanneer hooggeboren families of machtige leiders falen. Conflicten kunnen vaak gebaseerd zijn op een botsing vanConfucianistische principes zoals plicht, plicht, respect voor ouders en persoonlijke ambities.

Make-up en kostuums sluiten zoveel mogelijk aan bij de rollen van de acteurs. Meestal komen de kostuums overeen met de mode van het Tokugawa-tijdperk, zijn ze zoveel mogelijk elegant en gestileerd. Maskers worden niet gebruikt in uitvoeringen, ze worden vervangen door de meest complexe make-up, die de inhoud van de rol weerspiegelt. Ook in voorstellingen worden pruiken gebruikt, die zijn ingedeeld naar sociale status, leeftijd en beroep van de personages.

Bunraku Theater

Bunraku is een Japans poppentheater. Soms wordt het ook ten onrechte joruri genoemd. Joruri is de naam van een bunraku-theatervoorstelling en tegelijkertijd de naam van een van de poppen, de ongelukkige prinses. Het was met ballads over deze heldin dat het theater begon. Aanvankelijk was het geen pop en zongen rondtrekkende monniken liedjes. Geleidelijk voegden muzikanten zich bij de uitvoering, het publiek kreeg foto's te zien die de personages uitbeelden. En later werden deze foto's poppen.

Het belangrijkste in het theater is gidayu - een lezer, van wiens vaardigheid het succes van de hele voorstelling afhangt. De lezer voert niet alleen monologen en dialogen uit, het is ook zijn taak om de nodige geluiden, geluiden, piepjes te maken.

Tegen het midden van de 17e eeuw hadden de belangrijkste canons van muzikale uitvoering en recitatie in bunraku zich ontwikkeld, maar de poppen zelf bleven lange tijd veranderen. In de loop van de tijd ontstond de techniek om één pop door drie mensen te besturen. Het Japanse bunraku-theater heeft een eeuwenoude traditie in het maken van poppen. Ze hebben geen lichaam, het is vervangen door een houten rechthoekig frame verweven met draden om het hoofd te besturen,handen en voeten. Bovendien kunnen alleen mannelijke poppen benen hebben, en zelfs dan niet altijd. Op het frame zijn veel lagen kleding aangebracht, wat volume en gelijkenis geeft met de menselijke figuur. Het hoofd, de armen en eventueel de benen zijn afneembaar en worden zo nodig op het frame gezet. De armen en benen zijn extreem beweegbaar en zo gemaakt dat de pop zelfs een vinger kan bewegen.

De techniek voor het besturen van poppen is hetzelfde gebleven, hoewel verbeterd: er zijn drie acteurs nodig om één pop te manipuleren, waarvan de lengte tweederde is van de lengte van een persoon. De acteurs verbergen zich niet voor het publiek, maar staan daar op het podium, ze zijn gekleed in zwarte maskers en gewaden. De backstage, de toneelachtergrond, het gordijn en het muzikantenplatform hebben ook een zwarte kleur. Tegen deze achtergrond vallen landschappen en poppen in kleurrijke outfits en met wit geschilderde handen en gezichten fel op.

Het hoofdthema van het bunraku-theater is het beeld van botsingen van gevoelens en plichten, "gewichten" en "ninja". In het midden van het verhaal staat een persoon begiftigd met gevoelens, ambities, een verlangen om van het leven te genieten. Hij wordt echter gehinderd door de publieke opinie, plicht, sociale en morele normen. Hij moet doen wat hij niet wil. Als gevolg hiervan leidt het conflict tussen plicht en persoonlijke ambitie tot een tragedie.

Theatrale schaduwen

Het schaduwtheater heeft zijn wortels in de oudheid. Azië wordt beschouwd als de plaats van zijn oorsprong en bereikte zijn grootste welvaart in China. Hier kwam Japans schaduwtheater vandaan.

Aanvankelijk werden figuren gebruikt in uitvoeringen,uit papier of leer gesneden. Het podium was een houten frame bedekt met witte doek, waarachter de acteurs zich verstopten, de figuren controleerden en zongen. Het gerichte licht weerkaatste de actiefiguren op het scherm.

Schaduwtheater in verschillende gebieden had zijn eigen soorten figuren en repertoire van liederen.

Yose Theater

Yose is een traditioneel Japans striptheater. Het ontstond in de 17e eeuw en de eerste uitvoeringen werden in de open lucht gehouden. Maar met de populariteit van het theater begonnen er speciale huizen te verschijnen voor dergelijke uitvoeringen - yoseba.

De theaterstukken behoren tot het rakugo-genre - satirische of komische verhalen, altijd met een onverwacht einde, vol met woordspelingen en kwinkslagen. Deze verhalen zijn ontstaan uit anekdotes gemaakt door rakugoka - professionele vertellers.

Een artiest gekleed in een kimono gaat op een kussen in het midden van het podium zitten, meestal met een handdoek en een waaier in zijn handen. De helden van het verhaal waren mensen van verschillende klassen, het onderwerp van de verhalen werd door niets beperkt. De enige constante was dat de verhalen grappig waren, gerelateerd aan politieke, huiselijke, actuele en historische situaties.

De meeste verhalen zijn gemaakt tijdens de Edo- en Meiji-periode, dus de beschreven tradities, het leven en de problemen zijn weinig bekend en vreemd voor de moderne kijker. In dit opzicht schrijven veel rakugo-acteurs zelf satirische verhalen over actuele thema's.

Manzai is een ander genre. Dit is een komische dialoog, de wortels gaan terug tot traditionele nieuwjaarsvoorstellingen, die werden begeleid door liedjes, dansen en acteren.komische scènes. Geleidelijk kwamen elementen van farce, musicals en andere genres de manzai binnen, waardoor het nog populairder werd en het op televisie kwam.

Yose theater wordt ook vertegenwoordigd door de genres nanivabushi (een soort ballad) en kodan (fictie lezen). Kodan is een verhaal gebaseerd op de prestaties van rondreizende kunstenaars. Het oorspronkelijke thema van de verhalen (gevechten uit het verleden) breidde zich uit en omvatte familieconflicten, rechtszaken van legendarische rechters, politieke gebeurtenissen, ongebruikelijke gevallen in het leven van gewone burgers. Niet alle onderwerpen werden echter door de autoriteiten aangemoedigd. Vaak werden optredens zelfs verboden.

Synopsis

Traditioneel Japans theater is een veelkleurige en complexe wereld, met als elementen acteurs, muzikanten, maskers, decors, kostuums, make-up, poppen, dansen. Dit alles vormt een unieke en onnavolgbare mysterieuze wereld van Japanse theaterkunst.